ESPECIAL: ¿QUÉ HAY DE NUEVO, VIEJO? v.1/3:2012

El tiempo corre y en medio de tanto ajetreo medio espabila uno y ya dizque se ha tragado el primer tercio del año. Pues bien, quise aprovechar que ya llevamos un trayecto de este veinte doce para dedicar un post a los sonidos nuevos que por estos días ando escuchando; nuevas canciones que se andan entrometiendo entre mis ya reconocidos gustos por lo clásico, pero que de a poquito se van ganando un espacio entre el rock que me acompaña a diario, tal y como me sucedió con la de Gotye “Somebody That i Used to Know” que de lejos es la mejor canción lanzada en lo que va corrido del año (por lo menos para mi.) 

Arranquemos con la banda de esta gordita con cara de intelectual (vi muchos dobles de ella en mi universidad, monitores de cualquier cosa). Se hacen llamar Alabama Shakes y llevan 3 años de formados. Tienen una mezcla de sonidos sureños gringos, algo de alternativos y una voz poderosa en su líder Brittany Howard. Su primer álbum Boys & Girls está recién salido del horno en este abril y ya suenan en los Estados Unidos con su primer sencillo llamado “Hold on”.  Excelente.

A los Civil Twilight los vine a conocer en 2010 a través de una estupenda canción llamada “Letters From The Sky” que hacía parte de su debut homónimo y que además suena una locura en la película I Am Number Four. Son un trío de Suráfrica que goza de gran reconocimiento por parte de los productores de series de televisión como One Three Hill o The Vampire Diaries en donde se han incluido sus canciones. En marzo de este año sacaron su segundo trabajo Holy Weather del cual presentan “Fire Escape”.

La influencia del nu metal con ascendencia cristiana llegó a la fría Canadá a mediados de los noventa de la mano de los Thousand Foot Krutch. Este cuarteto goza de buena reputación en la parte norte del continente americano gracias a la fuerza y calidad de sus interpretaciones, compendiadas en sus 6 trabajos discográficos y uno en vivo. Su más reciente álbum se llama The End Is Where We Begin y fue lanzado hace un par de semanas aunque ya a finales del 2011 habían dejado libre para descarga el sencillo “War of Changes”. Oficialmente su primer sencillo es este “Let the Sparks Fly”.

A la hora en la que escribo esto no he ido a verme el estreno de Avengers Assemble. Por los comentarios de quienes ya la vieron, como que es tremenda cinta. Por lo pronto tengo otro motivo más para verla y es su banda sonora, plagada entre otros por grupos del talante de Bush, Papa Roach, Shinedown y el mismísimo Weiland. Y dentro de este combo la presencia de los magníficos Soundgarden quienes se dejaron venir con “Live to Raise”, la primera canción compuesta por la banda desde que les dio por volver en 2010. ¿Será que por fin nos sorprenderán con un nuevo álbum en este 2012? Todo indica que si.

Los sonidos alternativos llegan de las Vegas de donde son oriundos los Imagine Dragons. Después de ganar cierta popularidad como banda indie en emisoras de la zona y haber realizado su primer video llamado “America”, este cuarteto nos trae este año su álbum debut Continued Silence que les ha permitido salir de gira y tocar junto a otros grupos como Weezer, Jet o Neon Trees entre otros. Y hace poco lanzaron su primer sencillo “It's Time”.

Black Stone Cherry son otros que de a poco se han ido ganando el reconocimiento, a través de su sonido que va desde el post grunge hasta el rock duro. Este cuarteto de Kentucky al que conocí en 2008 por “Blind Man”, se formó en 2001, ha producido 3 trabajos discográficos y después de actuar de teloneros de Nickelback y Alter Bridge ya son cabezas de cartel en diferentes eventos norteamericanos. Su más reciente trabajo se titula Between the Devil and the Deep Blue Sea y este es su tercer lanzamiento: “In my Blood”.

Desde Inglaterra llega un quinteto con un sonido indie bastante fresco, en algunos pasajes similares a Coldplay. Los Morning Parade después de haber lanzado algunas canciones de manera independiente y hacer algunas giras locales y por algunos países europeos, cruzaron las fronteras con el lanzamiento de su primer trabajo de nombre homónimo al de la banda. Su primer sencillo es “Headlights”, una muy buena canción.

Siete años han transcurrido desde que los australianos de The Temper Trap decidieron armar su banda y 3 desde que se dieran a conocer gracias a su canción “Sweet Disposition” contenida en su álbum debut Conditions, que les valió buenas críticas y un éxito comercial moderado. La vara quedó alta y por eso esperan superar las expectativas con su nueva placa The Temper Trap del cual se escucha el primer lanzamiento “Need Your Love”.

Escucho esta canción y no sé mi gusta porque tiene un airecito a la ya referenciada de Gotye con Kimbra, pero me parece muy bacana. La hacen los Animal Kingdom, un trío del Reino Unido que tiene a su haber su álbum debut Signs And Wonders y que en mayo lanza su segundo trabajo The Looking Away, al cual pertenece “Strange Attractor”.

El cierre es para este man que se volvió una personalidad obligada del mundo del rock. Con su banda The White Stripes, Jack White alcanzó un reconocimiento inusitado, lo que le ha permitido poner su sello exitoso en otros proyectos como The Racounters o The Dead Weather, producciones para otros artistas  y hasta la actuación. Ahora se deja venir con Blunderbuss, su primer álbum como solista, sacado al mercado en este abril y del cual ya se han extraído “Love Interruption” y “Sixteen Saltines”.

  

     

SLASH: DE DIOSES Y GUITARRAS

Por estos días me he pegado de la inusitada fiebre que se ha presentado en el mundo del rock, producto de la inducción de los Guns N’Roses al salón de la fama del Rock & Roll, algo por demás merecido por el invaluable aporte de una banda que pudo haber sido la más grande si les hubiera dado la gana. Una tras otra le he machacado a las buenas canciones de los álbumes que los catapultaron a la fama a finales de los 80’s y principios de los 90’s; hasta el “careabuelita bonachona” (Sir Paul McCartney) me acolitó la excusa de recordar a los Gunners con su excelente interpretación de “Live and Let Die” en su conciertazo de esta semana en Colombia.

Contrario a mucha opinión de la gente que disfrutó más la época del Use Your Illusion, siempre fui un fanático de la primera etapa de los Guns: la de la actitud de malos en medio de toda la corriente festiva del heavy glam ochentero; la del batero drogo y pelietas, la del Appetite For Destruction; la etapa alejada de coristas, teclados y delfines en videos largos y exagerados. Y también contrario al pensar de muchos y sin desconocer la presencia de uno de los mejores frontman en la escena rock como lo es Axl Rose, siempre consideré que el sello característico tenía sombrero de copa y nombre propio: Slash.

No voy a negar que años después renegué de sus colaboraciones con artistas de otros géneros (exceptuando sus guitarras en temas del desaparecido Michael, sobre todo la estupenda “Give Into me”) pues me parecía inconcebible que una estrella  de esas se pusiera a prestarse a aparecer en canciones y videos de artistas pop; peor aún, de pop latino como Marta Sánchez o Paulina Rubio. El hombre por supuesto estaba y está para mucho más; por ejemplo para ser uno de los artistas más influyentes en la historia del rock. Uno de los dioses de la guitarra. Esa bobadita, no más.

Por fortuna, después de sus proyectos post Guns (su fugaz trabajo de blues Slash's Blues Ball y el supergrupo por el que pasaron miembros de Alice in Chains, White Lion, Jellyfish y de los mismos Gunners, llamado Slash's Snakepit), el cambio de milenio nos trajo a un Slash renovado y miembro fundamental (no podía ser de otra forma) de uno de los buenos proyectos de los últimos años: Velvet Revolver. De esas bandas de las que uno se queda esperando más, que tenían todo para perdurar en este cuento pues habían llegado para devolver al rocanrol al lugar de privilegio que le corresponde.

En 2010 este monstruo de la guitarra nos sorprendió con su primer álbum oficial en solitario llamado simplemente Slash, un excelente catálogo de canciones con invitados de lujo como el gran Ozzy, Dave Grohl, Lemmy, Kid Rock, Iggy Pop, Chris Cornell, la cosita rica de Fergie, el vocalista de The Cult, el líder de Maroon 5 entre otros. Y nuevamente los miembros de aquella magnífica formación de finales de los 80’s, exceptuando a Axl con quien parece aún quedan heridas por sanar.

Sólo argumentos para recordarnos que este man es un capo, que está por encima de la sombra del Guns & Roses que quizás tercamente ha querido mantener Axl (oí hablar del Chinese Democracy como por 15 años y lo siento, no me gustó). El éxito de este álbum debut y la consabida gira que lo apalancó en compañía del vocalista de Alter Bridge -Myles Kennedy-, fueron una muestra de su vigencia, la cual se ratifica este 2012 con la salida de su segunda placa Apocalyptic Love cuyo lanzamiento está previsto para mayo, pero del cual ya se escucha “You're a Lie” con el aporte en las vocales nuevamente de Kennedy ya como cantante oficial de la banda The Conspirators en todo el disco.

Bacano que este loco, aquel de los inolvidables solos, el mismo que no entró a Poison por no verse tan bonito como el resto de la banda, el de las constantes entradas a rehabilitación por su adicción a las drogas, siga dando guerra. Grande Saul! (Hudson, aclaro).

NO TE VA GUSTAR (NTVG): LOS OTROS COLORES DEL ROCK

Definitivamente como que es verdad. Los años son el mejor bálsamo para ir suavizando posiciones que en otrora podían verse como radicales. En mi caso, el paso implacable del tiempo ha sido el responsable de que mi gusto musical en materia de rock haya tenido una mayor apertura; por ejemplo para mi antes era casi impensable que un grupo con algo distinto a guitarra, bajo y batería (y de pronto por ahí con alguna buena armónica atravesada) sonara bien y más aún, que me llegara a gustar. Las 5 o 7 canas que se asoman hoy por hoy están ahí para recordarme que puedo tener otra óptica y que no hay problema con eso.

No Te Va Gustar o simplemente NTVG es de esas bandas que descubrí escasamente hace unos 3 años por casualidad, en mi búsqueda de un buen rock en español que no necesariamente estuviera relacionado con lo que suena por aquí. La banda es uruguaya y es uno de los referentes de la escena de ese país. Y son el típico ejemplo de lo que seguramente, si lo hubiera escuchado hace 20 años cuando empezó a picarme el bicho del rocanrol, hubiera dicho “eso no suena a rock”. Mejor dicho, ni mandado a hacer el nombre del grupo porque de hecho, no me hubiera gustado.

A su sonido le colocan el toque musical charrúa, pero se nota que fueron influenciados por los buenos sonidos del britpop tipo Oasis y el rocanrol argentino noventero tipo Cadillacs; NTVG son dueños de un sentido musical que le huye a cualquier etiqueta; son simplemente distintos. Me sorprendió por ejemplo lo diferente de un temón con el cual los conocí en 2009 llamado “Tan Lejos” de su quinto trabajo El Camino Más Largo, respecto de otros que fui descubriendo gradualmente y que se me antojaban como más “guapachosos”.

Sus letras son bastante buenas (“falta un Dios que me explique a mi por qué sos así”), pero sin duda la parte musical es la que lo hace a uno detenerse a escuchar una tras otra varias de las muchas excelentes canciones que tienen a su haber en casi 18 años de carrera. 9 integrantes que le adicionan otros elementos distintos a los comunes en una banda de rocanrol, con la presencia de percusión y vientos, sumado a la mezcla de ritmos como la salsa, el ska o el reggae, lo que le da otro color al rock que sigue siendo predominante. Justo lo que no toleraba años atrás cuando quería que todo sonara a guitarra.

Su otro fuerte son los conciertos, convirtiéndose en toda una maquinaria para hacer más de 100 toques por año en todo lado. Por estos días su país natal, Argentina, Paraguay y Brasil, han sido testigos de su buen momento como banda; a fínales del año pasado estuvieron tocando en México, Estados Unidos y Canadá y sus sonidos han traspasado el charco con varios conciertos en diferentes ciudades europeas.

Este combo se las trae. Ya van por 6 trabajos discográficos. Se destacan entre otros su bautizo del 99 Solo de Noche, su segundo disco Este Fuerte Viento Que Sopla editado en 2002, El Camino Mas Largo de 2008 y su más reciente placa de estudio Por lo Menos Hoy de 2010. Este año lanzaron  Público, un DVD + CD de grandes éxitos en vivo grabado en varios shows en Uruguay y Argentina.

¿Temas recomendados? Aparte del ya mencionado “Tan Lejos” no puedo dejar pasar por alto buenas canciones como “No Era Cierto”, “Cosa Linda” y “Llévame Contigo” incluidas en su álbum debut Solo de Noche de 1999; “Como Brillaba tu Alma” y “No Necesito Nada” del segundo álbum de 2002; de su disco de 2004 Aunque Cueste Ver el Sol hay que destacar “Al Vacío”; “El Camino” que hace parte de El Camino Mas Largo y más recientemente la nominada a Grammy como mejor canción rock de 2011 “Chau” y “Arde”, temas que brillan con luz propia en su sexta placa Por lo Menos Hoy.

RADIOHEAD: EL SOUNDTRACK DE LA ADVERSIDAD

Mientras conducía mi carro la semana pasada en una de estas frías noches y retumbaba el eco de “What I Like About You” de The Romantics, me puse a pensar en lo mucho que puede influir la música en el estado de ánimo de una persona. Quizás fui objeto de burla durante un buen rato por parte la pareja en la moto que había a mi lado en el semáforo, viendo a un casi cuarentón golpeando cual rockstar mi batería-cabrilla, cantando destemplado y esbozando una sonrisa de estúpido más allá de lo habitual.

No siempre fue así. Fui de los muchos que en los 90´s comenzaron a decirle adiós a la adolescencia en medio de un montón de dudas, miedos y frustraciones. Tuve la oportunidad de toparme en ese entonces con un estado anímico que distaba mucho de aquel particular comportamiento festivo en mi carro manifestado durante estos últimos días. Conocí de frente y sin anestesia a la depresión, la cual vino acompañada de una banda sonora que cabía como anillo al dedo a esos difíciles momentos y que se quedó ahí, testigo de las dificultades que hoy por hoy también se presentan. Su nombre: Radiohead.

La banda de Oxford Inglaterra, con más de 20 años de carrera y liderada por el particular genio de Tom Yorke, se ha convertido en un punto obligado a la hora de evaluar las bandas que mayor influencia han dejado a nivel musical en las últimas décadas. Quizás algo insospechado para ellos cuando lanzaron su debut Pablo Honey del 93 en donde estaba un compendio de buenas canciones, entre ellas la que los dio a conocer y que paradójicamente detestan: “Creep”. Si yo me aburría de tanto que me la pedían los clientes cuando ponía música en un bar, entiendo como sentirían ellos cuando se la pedían y pedían, y sonaba sin misericordia en todas las radios rock del mundo.

Muy en su interior la banda quiso siempre buscar su identidad y dejar su huella, alejada de todo el boom comercial. El problema es que cuando algo es bueno, tarde o temprano todos nos terminamos por dar cuenta, y eso fue lo que pasó con ese discazo llamado The Bends de 1995 y ni que decir con una de las obras cumbre del rock: El OK Computer del 1997. Letras llenas de introversión, depresión y angustia existencial y un sentido de la melodía que distaba mucho de lo que sonaba en ese entonces.

Debo decir que contrario a lo que piensa la crítica, a mi el siguiente disco Kid A del 2000 no me gustó, quizás precisamente por eso por lo que hoy es objeto de reconocimiento de todos los expertos: no hay temor a experimentar; siempre buscan enriquecer su música con otros elementos como el rock progresivo o los sonidos electrónicos. Definitivamente no están hechos para sonar siempre igual y encasillarse como lo quisiera la industria y por eso alcanzaron a sacar con su disquera de siempre otros 2 trabajos (Amnesiac de 2001 y Hail to the Thief de 2003) para dedicarse a sacar música por su riesgo y cuenta.

No contentos con convertirse en una banda de referencia para los nuevos artistas han querido también darle un mensaje a la industria discográfica, al atreverse a producir de manera independiente sus 2 más recientes placas (In Rainbows de 2007 y su octavo trabajo The King of Limbs  de 2011), con la novedad de poderlos descargar previamente de internet (antes de que saliera el formato físico) dejando a consideración de los fans el precio a pagar por los álbumes en caso de que les gustara la previa. Ambos son tremendos discos y la estrategia ha sido muy exitosa.

Radiohead, una de esas bandas imprescindibles a la hora de hablar de rock, que se dan el lujo de inventar, de dejar un legado, manteniendo intacta su credibilidad de la mano con su creatividad musical. Y sus canciones, mi perfecta compañía para aquellos momentos en los que no estoy con la sonrisa de estúpido, en situaciones en las que aún me dejo abatir por las circunstancias adversas de la vida. Para levantarme de nuevo o acabarme de rematar.

ESPECIAL SEMANA SANTA: REFLEXIONES DESDE EL ROCK & ROLL

El eterno dilema humano por creer o no creer. Millones de tertulias, quizás otro tanto de discursos y espacios se podrían desprender de tan simple y a la vez complejo cuestionamiento. Libros y doctrinas que se esparcen por el mundo tratando de generar una guía alrededor del tema, como si se tratara de esa señal a la que debemos acudir. Pero como seres humanos con criterio estamos en el pleno derecho a seguir o no esas luces.

Abiertamente me confieso católico sin que esto tenga que rayar con el fanatismo, con solo mirar un extremo de la cuerda, cualquiera que este sea. Infortunadamente hay mucho puritano por ahí rondando, dedicados a su beneficio personal, criticando y empeñados en ver la viga en el ojo ajeno, perdiendo la oportunidad de aplicar en los detalles simples de la cotidianidad, los preceptos de una ideología perse hermosa.

El rock si que ha estado sometido al juicio de los ojos y oídos que se creen capaces de convertirse en detectores de fantasmas y enemigos donde no los hay, actitudes intolerantes que no han hecho más que ahondar más el deseo por conocer a través de esta manifestación artística, respuestas para todos, sin importar si se cree o no. Comenzando semana santa, un momento de reflexión en MetroRock con algunas muestras de cómo a través del rocanrol, se pueden llevar testimonios de paz y amor, quizás (solo quizás) de una manera más sincera que la de tantos que se las dan de santos.

Arrancamos con The Fray, un cuarteto que conocí en 2008 gracias a una excelente canción llamada “Over my Head” perteneciente a su álbum debut How to Save a Life. Su vida como músicos transcurrió en las iglesias de su natal Denver y aunque a hoy le huyen a esa etiqueta de Rock Cristiano, si es claro que muchas de sus letras tienen un alto contenido religioso, con mensajes en torno a las relaciones personales, la ocurrencia de las cosas malas a la gente buena y la fé puesta a prueba ante situaciones difíciles.

Switchfoot es una banda que permanentemente ha estado relacionada con la escena musical religiosa y a la realización de obras benéficas a través de fundaciones, aunque la orientación de sus mensajes va dirigida a todos los públicos poniendo por delante su fe que la inclusión en un género. Van por 8 trabajos discográficos desde su fundación en el 97 entre los que se destacan The Beautiful Letdown del 2003 y Hello Hurricane del 2009. Algo de poesía, filosofía y contenido positivo en sus líricas.

Uno de los amos de la escena musical cristiana en la última década han sido los Third Day. Estos triple ganadores de Grammy y otro tanto de otros galardones, han difundido el mensaje de Jesús a jóvenes y adultos a través de su sonido pop-rock contemporáneo. En su 21 años de carrera han generado 15 discos con trabajos tanto en vivo como en estudio, cargados de letras que se convierten en verdaderas oraciones ante las diferentes circunstancias por las que atraviesa el ser humano durante su existencia.

Corría el 98 cuando los ecos de un temón llamado "What's This Life For” me devolvieron unos 6 o 5 años más atrás. Parecía como si de repente ese sonido grunge hubiera vuelto. Y lo hizo, por lo menos durante otros 4 años cuando Creed estuvo en la cima. Uno de los grandes fenómenos masivos de divulgación de mensajes relacionados con la fe, la teología cristiana en si y reflexiones acerca de la vida eterna. Millones de copias vendidas de sus 4 placas, de las cuales me quedo con My Own Prison que tan buenos recuerdos me trae y Human Clay, su segundo álbum de 1999.

El glam metal también ha tenido que ver en todo este rollo de difundir la palabra. Stryper fue la encargada de llevar el testimonio con toda la parafernalia que maneja este estilo musical y sumándole el elemento evangelizador, llegando hasta el punto de lanzar biblias en los conciertos o haciendo la contraparte del número de la bestia con su versión del 777 en clara alusión a lo perfecto y divino. Vivieron su esplendor entre el 83 y 92, con una reunión en el 2003 que les ha dado para seguir con vigencia por estos días.

La banda alternativa de la Florida Anberlin es de las que piensa que el mensaje de sus letras (amar y respetar a los demás tal y como Jesucristo lo haría) está por encima de etiquetas, sin importar de qué religión sea quien las escuche. Con un poco menos de 10 años de actividad este quinteto ha sabido repartir el tiempo entre su prolífica carrera (ya van por el quinto disco y se espera nuevo material en este 2012) y su vinculación a organizaciones de caridad y ayuda a la comunidad en aspectos de pobreza y trata de blancas.

Para los miembros de P.O.D. su fe es parte esencial en sus canciones. Van por 10 millones de copias de sus 7 trabajos discográficos a la fecha, de los cuales hay que resaltar su inolvidable cuarto disco Satellite del 2001.  Desde el significado de sus siglas Payable on Death que se puede interpretar como el destino que nos espera después de morir de acuerdo a cómo vivimos, hasta letras en clara alusión religiosa (encontrar el camino de Dios y sentirse vivo, por ejemplo), esta bandota de San Diego continúa llevando sus creencias a su manera por todo el mundo.

 

El arrepentimiento es otra de las características propias de la religión católica. Y parece ser que de eso si que sabe Brian Welch el famoso guitarrista Head, responsable de definir el sonido de la segunda parte de los 90’s con sus compañeros de Korn. Todos los excesos de drogas y alcohol propios de la fama que obtuvo con la banda californiana, lo llevaron a recomponer el camino y convertirse en músico cristiano. En los tres trabajos que tiene como solista pone de manifiesto que Dios es quien ha podido curar sus heridas y liberarlo de sus adicciones.

ARCTIC MONKEYS: LA FRESCURA DEL SONIDO BRITÁNICO

Cómo quizás no me sucede con cualquier tema (exceptuando la logística, temas afines a mi profesión y el fútbol), mi afición por el rocanrol hace que se prenda esa llama por consultar, por conocer más. Cual si fuere un especial de esos anunciados con toda la pompa por Nat Geo o Discovery Channel por ejemplo, pasa por mis ojos cuanto documental de rock presenten sin importar si lo había visto una o quince veces y me lo sepa de memoria; da igual: me lo veo con la misma expectativa del primer día.

La constante en este tipo de programas sin importar que lo haya producido la BBC o alguna productora gringa, es que se suele dar un gran valor al aporte del sonido británico en toda esta historia, constituyéndose en precursores y protagonistas de muchos de los más grandes momentos del rock. No sé si la banda a la que dedico este post llegará a ocupar los sitiales del olimpo en el rock de todos los tiempos, pero de lo que si no me cabe duda es que los Arctic Monkeys  se han convertido a los largo de sus ya 10 años de existencia en un referente de la escena inglesa, arañando espacios reservados a los más grandes del Reino Unido.

Fue por allá empezando el 2006 cuando, nuevamente motivado por ese inusual espíritu investigativo, me di a la tarea de pillarme qué estaba pasando en el otro lado del charco, luego de la oleada de bandas escandinavas de finales de los 90’s. La sorpresa fue enterarme que había una banda cuyo álbum debut estaba catalogado por la crítica como un digno contendor del primer discazo de Oasis, Definitely Maybe (de hecho, lo superó como el álbum debut más vendido en la historia en la Gran Bretaña). Rebusqué y me encontré en ese entonces con “I Bet You Look Good on the Dancefloor” extraído del Whatever People Say I Am,That's What I'm Not y bastó para darme cuenta de que estaba frente a algo distinto, renovado y muy, pero muy bueno.

Este cuarteto de Sheffield tiene la fórmula para lanzar discos y que todo sea éxito. Sin duda han sabido aprovechar las ventajas que le ha dado internet a las nuevas promesas ya que las descargas de sus primeras canciones se convirtieron en un boca a boca excelente que hizo llamar la atención de las disqueras; pero eso no es sólo con subir unas canciones a la web o grabar el video de alguna presentación; se necesita ratificarlo con buenas letras, buen sonido y una excelente presentación en vivo, elementos que los Monkeys tienen y de sobra.

Favourite Worst Nightmare (2007), Humbug (2009) y Suck It and See (2011) se suman al ya mencionado album debut. Todos llegaron a lo más alto de las listas británicas y trascendieron a otros horizontes incluido el americano, al que a veces le da tan duro reconocer que en otros lados también se hace buena música. Trabajos discográficos que llevan intrínsecos una evolución, que emanan calidad y que lo motivan a uno a subir el volumen o irse de noche de birras en un bar. Para mi el sonido de esta banda es simplemente rocanrol fresco y con alegría. Punto.

Por esas casualidades de la vida a través de la novia de un amigo me enteré hace unos meses de la existencia de The Last Shadow Puppets, el proyecto paralelo de Alex Turner, motor delante y detrás de los Monkeys. Me escuché su primer y único álbum a la fecha The Age of The Understatement del 2008 y me pareció muy bacano (la canción que le da título al disco y “Standing Next to Me” son una buena muestra de ello). Dos bandas con un sonido diferente pero con ese ingrediente en la composición de Turner que lo hace a uno antojar de que venga el segundo trabajo, previsto muy seguramente para este segundo semestre del año luego de que Arctic Monkeys concluya su extensa gira por Europa, Norte y Suramérica.

¿Temas recomendados? Infaltables varias canciones de ese gran debut del 2005 como “When the Sun Goes Down” y “Fake Tales of San Francisco”. En el Favourite Worst Nightmare se destacan entre otras “Brianstorm” y “Fluorescent Adolescent”. “Crying Lightning” y “My Propeller”del 2009, además de “Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair” o “Black Treacle” contenidas en su más reciente placa y su nuevo tema “R U Mine?”.

BERSUIT VERGARABAT: VIVE Y VUELVE

Si bien nunca me he caracterizado por ser un devoto amante del rock en nuestra lengua, mi incipiente oído de fanático si me he ha ayudado como para irme haciendo una idea que me permita discernir acerca de lo que parece ser una buena propuesta, lo que simplemente es calcado y lo que a duras penas está impulsado por un intento comercial descarado.

Han pasado muchos años desde aquellas primeras canciones que en el último lustro de los 80’s inundaban las escasas emisoras de rock a las que tenía alcance y que trajeron consigo el denominado boom del rock en español. Pero ya desde esa época a la fecha, el rock en español Made in Argentina ha tenido para mí un especial encanto. Siempre me sorprendía por esa capacidad de tener tantas caras: la cómica, la dura, la seria (y a veces hasta aburridora), la barera y pachanguera…facetas llenas de un sonido que podría hacerlo pensar a uno que se está en frente de una gran estrella de la música de toda la vida, o simplemente de un vecino normal de la cuadra que toca muy bacano.

Sería un mentiroso si digo que desde que escuché Bersuit Vergarabat de inmediato me enganché. Me suele suceder que si algo le gusta a todo el mundo y se trilla y trilla una canción hasta sacarle sangre, termina no gustándome. Y eso precisamente me sucedió con “Señor Cobranza” en la cola de los 90’s. Por fortuna, la vida, internet y los amigos me han dado razones para evidenciar que estaba en frente de una de las mejores bandas del rock latinoamericano, y sino, la mejor exponente de ese sonido argento que tanto disfruto.

En cada uno de sus trabajos discográficos, La Bersuit destila calidad y originalidad en sus interpretaciones, en donde se resumen todas esas caras que hacen que me guste el rock argentino. Sólo basta sacar el rato para espulgar álbumes como Libertinaje de 1998, Hijos del Culo de 2000 y La Argentinidad al Palo de 2004 y darse cuenta del por qué han sido un grupo de tanta convocatoria, no solo en el sur del continente, sino en importantes festivales en otras latitudes.

Sus letras van desde lo cotidiano y trivial hasta lo que podría ser trascendental. Le cantan igual a un vecino gordo del barrio en su moto que a la ex que uno recuerda y que se vuelve a ver cuando ya se está casado. No se callan ante los constantes descalabros del poder o la actitud ególatra de muchos de sus coterráneos y llevan el mensaje premonitorio de la revolución. Pueden llamar nuestra atención sobre el riesgo en el que tenemos al planeta y también recordarnos que amor y licor no se mezclan. Nos recuerdan que en nuestros momentos de soledad siempre hay alguien dispuesto a lamer nuestras heridas y también que a pesar de los disfraces, nuestra esencia seguirá siendo la misma.

El 2009 marcó puntos suspensivos. Su carismático líder, Gustavo Cordera se aventuró como solista sin decir abiertamente que se iba de La Bersuit, lanzando su placa Suelto (de donde se desprenden buenos temas como “Ansiedad de Buscar”) a lo que le siguió En la Caravana Mágica, su segundo disco lanzado en 2010. Mientras que varios de los miembros restantes de la emblemática banda de Buenos Aires armaron rancho aparte con el proyecto De Bueyes, con el que alcanzaron a sacar el álbum Mas Que Una Yunta, donde está un mamonazo llamado “De Una Pasión”.

Parece que en definitiva si eran más que una yunta, pues hoy La Bersuit vive a pesar de que Cordera no esté oficialmente más con ellos y haya quedado un tanto resentido con la forma como se tuvieron que dar las cosas. Decidieron retomar el camino después de dos años y recién sacadito del horno está La Revuelta su undécimo trabajo de estudio, del que ya se desprendió su primer lanzamiento “Cambiar el Alma” otra cumbia rock con el sello de la casa. Aguante La Bersuit, Carajo!!

P.D. Estando en el concierto del maestro Enrique Bunbury esta semana en su rol del Licenciado Cantinas y escuchando en vivo “El Solitario”, ratifico que esa mezcla de rocanrol con ritmos autóctonos como la cumbia se oye estupenda. Y La Bersuit si que sabe de eso. Y sino que lo diga “El Viejo de Arriba”.

VAN HALEN: POR ENCIMA DEL TIEMPO

Hoy me levanté pensando en que el tiempo realmente es un soplo. Particularmente me sucede con frecuencia que lo que viví hace muchoscientosmil años lo recuerdo metiéndome el cuento de que fue hace poquito…pero que va. Por más que uno no lo quiera ver, el tiempo va pasando, implacable.

Parece que fue ayer aquel 1987 cuando comencé a meterme en esta excursión al mundo del rocanrol, motivado por mi inconformidad frente a los ritmos del trópico tan habituales en mi medio. Fue en ese 87 cuando de la mano de Bon Jovi (Tha Kiiingg!!) empecé a descubrir un cumulo de bandas que eran más que simples “peludos marigüaneros” como les decían en mi casa. Talento, actitud, mensajes y energía era lo que les sobraba.

En medio de ese descubrimiento adolescente recuerdo haber visto el video de “Panama” de Van Halen, canción que ya hacía unos años había salido en su memorable album 1984 pero que yo apenas venía a conocer; y por fortuna, pues ese sonido impactante proveniente de la guitarra de Eddie Van Halen y el derroche de poder (sumado a la imagen estrafalaria) de su vocalista David Lee Roth no eran algo que uno pudiese pasar por alto.

Lo curioso del tema es que este fin de semana me dio por escuchar enterito el A Different Kind of Truth, el décimo segundo y más reciente trabajo de estudio de la banda californiana y siento como que el tiempo no hubiera pasado. El sonido característico de la guitarra de Eddie sigue siendo el soporte para que el andamiaje de estas leyendas siga su curso acompañado por supuesto y después de tantos años, del hijo prodigo (Lee Roth) quien vuelve a poner su voz en alto.

A finales de los 70’s Van Halen alborotó la escena musical gringa con el lanzamiento de su homónimo álbum debut, que es considerado una de las joyas del rock. En particular, por ese señor guitarrista, quien sin duda es uno de los más innovadores e influyentes del negocio. A esto lo siguieron otras 10 placas hasta 1998, todas en lo más alto de las listas. No en vano tienen el record de la mayor cantidad de canciones en el número 1. Estamos hablando de capos entre los capos!!

Los dueños de “Jump”, esos que fueron capaces no sólo de sobrevivir a los cambios de vocalista y continuar siendo exitosos (obviamente con mayor impacto del actual frontman de Chickenfoot Sammy Hagar que del vocalista de Extreme Gary Cherone, que alcanzó a estar en el Van Halen III del 98), continúan llenando nuestros oídos y retinas con ese sonido que le recuerda a uno por qué es que el rock es lo mejor de lo mejor.

A pesar de extrañar el bajo de Michael Anthony (también con Chickenfoot), el dúo de hermanos Van Halen + El hijo de Eddie + David Lee Roth se fajaron con su regreso después de 14 años sin grabar. Y aunque confieso que “Tattoo” no es que me haya chiflado del todo, si sirvió para que se volviera a despertar mi admiración por estos genios. Solo basta poner a sonar bien duro temas como “She's The Woman”, “Chinatown”, “Bullethead” y “As Is” para darse cuenta de que se está en frente de uno de los mejores discos de rock del año.

Qué bueno que exista, en este caso a través de la música, la excusa perfecta para recordar que aunque el tiempo pase y las cosas hayan sucedido hace muchoscientosmil años, lo bueno simplemente perdura.

ESPECIAL: ROCK & MUJER, MI LISTA DE GIRLPOWER.

El 8 de marzo tradicionalmente ha sido problema para mí. Siempre se me ha reclamado por mi no habitual falta de especialidad en una fecha que yo particularmente, considero plagada de un espíritu meramente comercial (o por lo menos así lo volvieron). Mi salida triunfal ante estas querellas no pasa de un simple pero sincero “es que el día de la mujer debería ser todos los días”.

Y aunque suene a cliché, así es. Diariamente nosotros deberíamos rendir homenaje a estos maravillosos y a veces incomprensibles seres que Dios nos puso al lado. Todos los días deberíamos recordar su cada vez más creciente e invaluable participación en todos los campos de la sociedad, en donde por supuesto el universo rock no se puede quedar atrás. Hoy en MetroRock un tributo a esa pareja letal: Rock & Mujer.

Arranquemos con una verdadera institución de la música como lo es Patti Smith, quien por allá en los 70’s fue capaz de desafiar la típica imagen e ideología de la pelada de discoteca de ese entonces. Mucha actitud punk y poesía incorporadas en más de 10 trabajos discográficos de esta activista quien hoy por hoy a sus 65 años todavía continúa con su causa y su música.

Con algo de raíces pop pero con ese airecito rockero que tanto me gusta, recuerdo hoy a The Bangles, quienes en los 80’s pusieron a moverse como un egipcio a más de uno. Después de un bache entre el 89 y el 99 decidieron regresar y ya van por su undécimo disco, lideradas por la aún linda Susanna Hoffs.

Otra que ha hecho mucho por mantener el legado de las mujeres en el rock es Sarah Mclachlan, quien a finales de los 90’s y aprovechando el boom mediático que obtuvo con sus excelentes canciones, organizó un festival anual hecho solo por mujeres, en donde no faltaban otras duras del cuento como Sheryl Crow, Jewel, Suzanne Vega y Tracy Bonham por nombrar solo algunas. Y además es dueña de esta, una de mis canciones favoritas.

Una banda que apenas hace un par de años viene obteniendo el reconocimiento que se merece es Halestorm. Liderados por Elizabeth "Lzzy" Hale, estos pelaos de  Pennsylvania cuentan ya con un exitoso debut homónimo lleno de hard rock que los catapultó a la fama, además de un discazo de covers y un álbum en vivo. Y se vienen en este abril con su segundo álbum llamado The Strange Case Of... del que ya lanzaron este excelente tema.

Como no recordar a doña Joan Jett. Esta veterana que tocó junto a otra grande como lo es Lita Ford en su banda The Runaways, nos llenó de buen rocanrol durante la década de los 80’s. Otra que sigue sacando música y que continua vigente con el paso de los años a punta de talento.

Si, yo fui uno de los que le caía mal Courtney Love y que continúa pensando en que tuvo todo que ver con el fatal desenlace del malogrado Kurt. Pero al margen de eso, la vieja demostró que tenía con qué llegar al estrellato y convertirse en todo un símbolo noventero. Abusos de droga, escándalos y buena música han rodeado a Courtney tanto en solitario como con su banda Hole.

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Muy prolífica ha sido la carrera de The Donnas quienes ya van por su séptima placa de estudio y un recopilatorio. 4 peladas a quienes con su rock de garaje les sonrió la fama a principios de la década pasada y cuyas canciones y covers suenan con frecuencia en mucha película juvenil.

Las hermanitas Wilson con su banda Heart son todas unas leyendas en los Estados Unidos, gracias a sus éxitos como “Barracuda”, “How Can I Refuse”, “What About Love” y por supuesto “Alone”, una de las buenas exponentes de la Power Ballad ochentera. Más de 30 millones de copias de sus discos ratifican porqué aún andan dando guerra.

Por allá en el 95 conocí a Alanis Morrisete con un gran álbum llamado Jagged Little Pill, plagado de mamonazos que la convirtieron en la estrella que es hoy. Y aunque se ha dedicado mucho a la actuación en los últimos años, se viene este año con su octavo disco que seguramente nos traerá la buena música a la que nos tiene acostumbrados esta canadiense.

Deborah Harry a sus 66 años también sigue trabajando en pro del buen rocanrol con su legendaria banda Blondie. En 2011 lanzaron Panic of Girls, su noveno álbum. Pero, cómo no echar de menos grandes clásicos como “Heart of Glass”, “Maria”, “Rapture” y “One Way or Another” que después de más de 30 años, prende cualquier ambiente barero.

La talentosísima Amy Lee y su banda vuelven a la cima con su tercer y más reciente trabajo Evanescence. Cargado de ese sello característico que los dio a conocer hace ya más de 10 años, el álbum se fue derechito al primer lugar de las listas. Hacía falta Amy.

Finalicemos con una banda que se había separado en 2003, pero que regresó hace poco, con gira y álbum bajo el brazo. Roses es el título del sexto trabajo de los irlandeses The Cranberries, con ese sonido rock que los dio a conocer y por supuesto, la voz inconfundible de Dolores O'Riordan.